Non amo particolarmente l’uso “violento” della fotografia, cioè quel genere di scatto che vuole essere forzatamente sopra le righe o raccontare in modo esplicito il dolore. Preferisco le storie positive, o comunque quelle che fanno riflettere in modo non necessariamente doloroso.

Quando però questo tipo di immagini possiede una “vetta artistica” in grado di solleticare il mio occhio cerebrale, non posso non apprezzarla.

E sono altresì convinto della necessità, per un fotografo, di essere eclettico e frequentare anche quegli ambiti o progetti che di solito non prende in considerazione. Come i mattoncini dei LEGO, possono costruire qualcosa di interessante dentro la sua sensibilità.

Anche perché, come vedremo, alcuni concetti di base si possono applicare a prescindere dal contesto.

Intimità rivelate

Di recente ho approfondito la fotografia artistica di momenti intimi, che di fatto rappresenta un’evoluzione estrema delle fotografie di famiglia che tutti abbiamo avuto o fatto. L’obiettivo della fotocamera si rivolge non più all’esterno delle mura del fotografo, ma all’interno; con una caratterizzazione di stili e di temi spesso particolare (e aggiungerei “disturbante” per un occhio non abituato).

Una sorta di “autopsia fotografica” che scava dentro la propria vita vera ed emozionale, insomma.

Tra i vari artisti che appartengono a questo genere (Nobuyoshi Araki, Larry Clark, Juergen Teller, Tina Barney…) abbiamo già incontrato Mitch Epstein, e in questo articolo tratteremo l’esponente forse più famoso: Nan Goldin.

Nan Goldin, “Nan One Month After Being Battered”, 1984 (fonte: MoMa.org)

Nancy “Nan” Goldin nasce a Washington DC nel 1953 da una famiglia ebrea della classe media, che abbandona molto presto (a tredici anni) trasferendosi a Boston. L’amicizia col fotografo David Armstrong la porta a conoscere la comunità gay e transessuale di quella città, che diventa il soggetto dei suoi primi progetti fotografici.

Dopo la laurea alla SMFA, Goldin si trasferisce a New York e lavora alla sua prima e ben conosciuta opera: “The ballad of sexual dependency” (pubblicata nel 1985 come slideshow e poi libro).

Si tratta di un diario visuale e viscerale di momenti autobiografici, ambientato nel contesto della sottocultura newyorchese di quegli anni, tra le persone che la Goldin frequentava e/o amava: relazioni sessuali, abuso di sostanze, violenze domestiche…

La fotografia di copertina – che mi crea sempre un certo shock quando la guardo – è questa:

“Nan and Brian in bed”, 1983 (fonte: moma.org)

Successivamente, e sino ai giorni nostri, la Goldin ha in seguito prodotto altri progetti di questo tipo e cioè sempre nell’ambito del “diario privato reso pubblico”, e quasi sempre nel formato a lei privilegiato di slideshow con musica da lei stessa selezionata.

L’intenzione prima di tutto

La modalità di presentazione (slideshow) è molto importante, perché il suo è un tipo di fotografia che si apprezza non tanto negli scatti singoli, quanto nell’insieme, nella globalità del progetto. La si sfoglia come le pagine di un diario, altrimenti diventa impossibile cogliere i personaggi e le relazioni tra essi.

Ecco uno di quei concetti generali di cui scrivevo all’inizio: ricordiamoci che l’intenzione è sempre centrale e cruciale in fotografia!

“The Ballad of Sexual Dependency” (fonte: aperture.org)

E’ anche un tipo di fotografia dove l’aspetto tecnico è decisamente secondario, quasi trascurato.

La Goldin non lo nasconde affatto: quando le venne chiesto come mai abbia usato il colore, rispose semplicemente che “ho usato la prima pellicola che avevo nella macchina, ed era una pellicola a colori”. (Vi immaginate di esordire così in un forum di fotografia?, probabilmente sareste massacrati!!). Può sembrare un controsenso rispetto al concetto di intenzione che si citava prima, ma invece è proprio in coerenza con esso: quando scriviamo un diario, infondo, non ci preoccupiamo eccessivamente dello stile e della grammatica. L’assenza di tecnica è un espediente atto a perseguire la fusione intima coi soggetti.

Ciò non toglie che le fotografie di Nan Goldin posseggano un elevato grado di sensibilità estetica.

“Butch in the tub”, 1988 (fonte: flashartonline.it)

Aspetti etici

Non c’è dubbio che foto di questo tipo siano “disturbanti”: basta vedere la prima dell’articolo, la cui didascalia (“Nan, un mese dopo essere stata picchiata”) è quasi superflua.

Ma la presentazione di storie così intime e sconvolgenti nell’ambito di un progetto artistico, mette al riparo il progetto stesso dal biasimo e dalla disapprovazione, quand’anche esso possa offendere il buon senso comune.

Ovviamente non sono io a dirlo, ma il fatto che queste opere vengono esposte nei musei e trattate come arte a tutti gli effetti, risultando affette da censura solo quando si “sfora” nell’ambito della fotografia pubblicitaria.

“Jimmy Paulette and Tabboo in the Bathroom”, 1991 (fonte: americansuburbx.com)

Può sembrare un espediente: “se è artistico, tutto è concesso!”. Ma l’arte in realtà è, per l’autore, una “zona di conforto” dove egli può essere libero di esprimersi senza doversi misurare con i compromessi e i filtri della realtà. Nell’arte non abbiamo la preoccupazione del quieto vivere: quel “blocco” che t’impedisce di insultare un parente che non puoi proprio sopportare, dire le peggiori cose al tuo capo, agire senza alcun filtro incurante delle conseguenze. Nella vita reale, tutto questo è necessario (altrimenti finiremmo per complicarla); nell’arte no. L’arte deve essere, per definizione, priva di ingessature.

“Misty and Jimmy Paulette in a Taxi”, 1991 (fonte: Wikipedia)

Il balsamo

La Goldin raggiunse il successo (nei primi anni ’90) per pura serendipità: la sua iniziale motivazione, infatti, non aveva nulla a che fare con l’esibire le proprie opere o col compiacimento.

Nel suo caso, infatti, la fotografia è stato un vero e proprio veicolo di salvezza nell’ambito di una vita travagliata da eccessi e droghe. Lo afferma l’artista stessa:

Ritorna quel concetto a me molto caro di arte che nasce dal disagio, e che – in qualche modo – funge da balsamo in grado di lenire il disagio stesso.

Ed anche questo è, credo, un concetto applicabile a qualunque contesto artistico.